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Ballet national de Marseille – (LA)HORDE

Toutes les formes scéniques de (LA)HORDE sont les bienvenues au Festival de Marseille. Après Room With a View sur les toits du Ballet national de Marseille, Age of Content investit le plateau de La Criée pour réinventer le virtuel, non comme une simple évasion, mais comme une réalité parallèle au monde physique. Une vision futuriste qui agit comme un uppercut !

Le collectif (LA)HORDE s’empare des sujets sociétaux avec toute l’énergie et la curiosité qui le caractérisent, le cœur battant au rythme des mouvements du monde. Notamment ceux de la jeunesse interconnectée pour lesquels leur danse agit comme une caisse de résonance, empruntant les codes de la communication online et offline, l’expression des corps dans l’environnement numérique, l’étrangeté des avatars dans les jeux vidéo ou encore les gestes viraux des challenges chorégraphiques de TikTok. La scène devient une fresque d’univers alternatifs entrecroisés où la danse fusionne l’expression corporelle digitale avec le souffle du jazz et l’effervescence des comédies musicales.

Dans un décor de science-fiction post-industrielle, un individu se retrouve soudain propulsé dans une nouvelle réalité à la suite d’un bug, il se démultiplie en autant de sosies de lui-même… Étrange sensation qui bouscule nos certitudes, fait battre notre cœur d’enthousiasme, de vertige ou d’effroi et monte crescendo jusqu’à l’assaut final donné sur une composition de Philip Glass ! Les quatre parties du spectacle sont parfaitement ajustées, les mouvements des dix-huit interprètes du Ballet national de Marseille millimétrés, la dimension subversive parfaitement assumée : de quoi donner au ballet le caractère époustouflant d’un véritable show.

En coréalisation avec le Ballet national de Marseille

Dreams Come True
Genève

Yan Duyvendak, Matthieu La-Brossard et Antoine Weil dressent un portrait en pointillé de deux générations. Une exploration joyeuse et singulière du supposé fossé intergénérationnel par un trio de performeur·ses qui excelle dans l’art de balayer les idées reçues sur nos repères culturels et les questions d’identité.

Le dialogue est-il encore possible entre les boomers et la génération Z ? Existe-t-il désormais un fossé infranchissable ? Face à ses propres interrogations, Yan Duyvendak a choisi de faire dialoguer deux générations – pour trois artistes – par l’évocation de leurs sensibilités, de leurs références, de leurs conditionnements et de leurs pratiques respectives (danse, protocoles, drag, vidéo, écriture). Dans le flux incessant d’interactions, de citations, d’images et de mouvements, une ligne de force : la transmission.

Si fossé il y a, il devient source de réflexions communes et d’échanges. La bienveillance et l’écoute mutuelle font la richesse de cette performance triangulaire où Yan Duyvendak, Matthieu La-Brossard et Antoine Weil se rencontrent. Chacun·e avec ses outils, ses techniques, ses connaissances et son éthique traite à sa manière de son rapport au monde dans un réel souci de compréhension, d’apaisement. Et prouve que l’on peut dépasser la polarisation des débats pour créer un espace de partage grâce à l’art et la création.

Coproduction Festival de Marseille

Avec le soutien de l’Onda – Office national de diffusion artistique

Percutante et envoûtante, la pièce du collectif féminin cairote Nafaq révèle l’énergie créatrice de la scène contemporaine égyptienne. Elle allie avec célérité différents styles de danse contemporaine et hip-hop dans une recherche sur l’espace et les relations humaines. Et happe notre regard sans jamais rien céder.

Hanin Tarek et Amina Abouelghar ont en commun une passion pour le mouvement et la danse. Diplômées du MAAT/Cairo Contemporary Dance Center, elles ont fondé le collectif Nafaq avec l’envie de fusionner une grande variété d’écritures et d’échapper à toute catégorisation. La force d’évocation de leur travail a déjà conquis de nombreux festivals : L’Alternativa à Barcelone, FASS Forward au Canada, Go Short aux Pays-Bas.

À l’occasion du Festival de Marseille, elles présentent en première européenne Nafaq 4: Extending Further, une pièce courte où leur virtuosité le dispute à leur complémentarité. Baignées d’une obscurité quasi magique, elles épousent l’espace, s’y confondent, s’enlacent, s’éloignent, en une série de mouvements tantôt saccadés et séquencés, tantôt lancinants et enveloppants. En fusion ou en miroir, elles surfent sur les rythmes électro comme sur la musique planante avec la même justesse, submergées par une vague sonore obsédante. À l’image de leur corps-à-corps.

Première en Europe

Malika Djardi – STAND

Malika Djardi danse sa vie avec l’envie de questionner l’intime et l’extime, et de tendre vers l’universel. Après un premier solo autour de la conversion de sa mère à l’islam, elle poursuit leur dialogue dans un récit autobiographique et documentaire sur le langage de deux corps en miroir.

Déjà, dans Sa prière, la présence de sa mère Marie-Bernadette s’était imposée par une intuition, avec le désir de réaliser un film documentaire, puis une pièce, et de transformer les témoignages en partition sonore. Avec la maladie d’Alzheimer, sa mère s’est mise à danser – avec ses mains, son visage – et un nouveau langage s’est développé : « Elle a une gestuelle personnelle, non codifiée, vécue au présent. » Malika Djardi l’a regardée, écoutée, filmée, et une partition à deux s’est peu à peu construite, nourrie de leurs souvenirs communs et d’anecdotes. Un matériau intime et sensible propice à développer un récit corporel, textuel, rythmique et visuel qui interroge sa propre pratique chorégraphique.

La pièce Martyre a pris forme, faisant renaître les « moments de grâce vécus à danser ensemble » avec, en contrepoint, la présence de Malika Djardi sur fond de ritournelles populaires et d’une playlist éclectique que chacun·e peut se réapproprier. Une manière de partager une mémoire collective autour d’un hit, d’une valse, d’un tango ou d’un cha-cha-cha… Au fil des différentes séquences filmées ou dansées, leur « dialogue nous fait voyager à travers les espaces, le privé et le public, le contraint et l’infiniment grand, l’intime et le monde ».

Diana Niepce

Anda, Diana (Marche, Diana) sonne comme un défi ! L’artiste lisboète Diana Niepce, paralysée après un grave accident, a fait de sa reconstruction une force créatrice pour rendre la danse à nouveau possible. Dans un dialogue entre le corps et l’esprit, entre la logique et le chaos, sa performance est une plongée autobiographique qui pose la question des corps non normatifs dans le champ des arts.

La longue traversée de Diana Niepce vers une reconquête de son corps revêt la forme d’un trio. Ce long processus d’affirmation de soi, de sa différence et de son handicap est devenu la matrice d’un livre publié en 2021, puis d’un ballet : Anda, Diana. Une pièce tendre entre trois corporalités et trois personnalités différentes, entre attraction et répulsion, lâcher-prise et résistance, aux portés acrobatiques complexes. Au cœur de ce « combat », Diana Niepce mène toujours la danse et dégage une grande puissance dans sa manière d’être, dans ce corps fragile manipulé ainsi mis en mouvement. Celle qui a réussi à se retrouver dans le corps de l’autre, « dans l’accord secret qui a fait de son corps un conteur », explore la pesanteur à travers un jeu de contraintes et de forces et l’utilisation des techniques du contact et du relâchement. Elle évoque la nécessaire présence de l’autre, le besoin d’un soutien indéfectible : question de pouvoir ? d’interdépendance ? Il ne s’agit pas ici de souffrance mais de rédemption, d’élan vital : une manière de nous interroger sur la fragilité de l’être… Anda, Diana remet ainsi en question les normes liées au corps et fait du corps non normatif un corps « révolutionnaire ».

Emanuel Gat Dance

Cosmopolite, méditerranéenne et solaire, Marseille inspire à Emanuel Gat une sonate chorégraphique, musicale et dramaturgique en trois mouvements, déployée dans un espace théâtral aux effets changeants, du noir au blanc… Une traversée imaginaire baignée de lumière comme un contrepoint à la musique et à la danse.

Pour sa première pièce marseillaise, Emanuel Gat invite ses danseur·ses historiques et de nouvelles·aux venu·es, onze interprètes, à fêter ses 30 ans de chorégraphie et d’exploration musicale dans une ode à la ville où il a choisi de vivre. Portrait fictif, sensible, auréolé de la lumière méditerranéenne, imaginé comme une interprétation libre et contemporaine de la forme musicale classique de la sonate. Déjà dans son tout premier solo Four Dances, créé à Tel-Aviv en 1994, la musique de Bach l’accompagnait.

Aujourd’hui, deux œuvres majeures, issues de deux champs musicaux différents, rythment son nouvel opus : la musique classique, avec le second mouvement de la Sonate n° 32 pour piano de Beethoven interprété par Mitsuko Ushida, qui y entend une proximité avec le jazz, et l’album The Life of Pablo du musicien, producteur et rappeur Kanye West ! Le tout donnant lieu à une chorégraphie toujours spectaculaire, à l’énergie vitale, portée par les compositions sculpturales dont le chorégraphe a le secret. Des flux et reflux incessants à la réelle beauté plastique, en écho à la vie, aux paysages, aux mouvements intrinsèques de Marseille, source d’inspiration inépuisable pour évoquer une manière de vivre ensemble, une alchimie humaine particulière transcendée par la création chorégraphique et musicale. Les relations entre l’individu et le collectif, l’érosion de la notion de liberté sont au cœur de ce nouvel opus.

Coproduction Festival de Marseille

Maryam Kaba, Marie Kock

Maryam Kaba et Marie Kock unissent leurs voix dans un hymne à l’écoute de soi et de ses désirs profonds. Conçue avec et pour vingt femmes de Marseille, Joie UltraLucide redonne mouvement et vie aux corps féminins victimes de violence, combat les stéréotypes et fait rayonner leur force et leur énergie vitales.

L’une est chorégraphe et danseuse, artiste associée au BNM, l’autre est autrice et journaliste. L’une a fondé le concept de danse fitness Afrovibe à Marseille, l’autre a écrit Yoga, une histoire-monde et Vieille fille aux éditions La Découverte. Les deux ont en commun la pratique du yoga et de la danse, comme leurs engagements féministe et antiraciste. Maryam Kaba et Marie Kock se sont naturellement retrouvées autour d’un projet commun : Joie UltraLucide, construit comme un récit d’apprentissage et d’émancipation à plusieurs voix.

Sur scène, vingt femmes d’âges, de cultures et de milieux différents, rencontrées à la Maison des femmes (lieu d’accueil pour les femmes vulnérables et victimes de violence). Elles déambulent le long d’un tracé, l’air robotiques et interchangeables. Se croisent sans se voir, se percutent sans prendre conscience les unes des autres. Mêlant lectures, rituels collaboratifs sur la parole, passages chorégraphiés et improvisés, interactions avec le public, la pièce est une passerelle vers une émancipation joyeuse et un espace de reconnaissance. Où il est question d’effort, de courage, de solidarité mais aussi de colère – autant d’émotions à traverser au long du chemin. Avec justesse et générosité, Maryam Kaba et Marie Kock orchestrent ce récit qui libère – la parole tout autant que le corps – pour créer un nouveau narratif sur ce qui fait une vie complète et libre.

En coréalisation avec le Ballet national de Marseille

Mallika Taneja

Entre prise de parole, gestes symboliques et mise en situation du public, Be Careful (Sois prudente) est un manifeste artistique et politique contre les violences faites aux femmes. Une pièce satirique dans laquelle l’artiste féministe Mallika Taneja se met en scène sans fausse pudeur et avec un sens aigu du théâtre pour dénoncer l’inconcevable.

Présentée en 2013 à New Delhi, la pièce de Mallika Taneja est toujours d’actualité en Inde et au-delà de ses frontières. Sa parole, plus que jamais percutante dans sa forme (performative) et son thème. Inspiré de faits divers qui ont provoqué un vaste mouvement civique en Inde en 2012, Be Careful remet en cause l’injonction de prudence faite aux femmes lors de leurs déplacements dans l’espace public. Prenant à bras-le-corps l’absurdité du discours sexiste – la femme, par ses tenues supposées provoquer des comportements masculins agressifs, serait seule et unique responsable des abus qu’elle subirait –

Mallika Taneja transcende sa colère originelle en un acte artistique et politique. Elle y parle d’effroi, de soumission, de violence, égrenant les préceptes du bon comportement de la femme en société dans un habile procédé à rebours du « savoir-être » érigé en loi imprescriptible ! Et joint le geste à la parole avec un humour sans concession… Réputée pour ses performances artistiques, l’artiste est également une activiste de la cause féministe à travers la création de plateformes dédiées aux femmes et l’organisation de marches nocturnes dans l’espace public.